Las industrias culturales y el cine

Las industrias culturales  son  los bienes y servicios culturales cuyo valor económico primario deriva de su valor cultural y tienen el potencial para la creación de riqueza y empleo a través de la generación y explotación de la propiedad intelectual. En lo que refiere a industrias creativas, sus bienes/contenidos creativos se basan en el uso principal del producto y la organización productiva que subyace a él.

Las características que encontramos en el cine de la industria cultural/creativa son la significativa inversión de capitales y la división del trabajo propio de toda industrialización. La producción de cine, se busca encontrar unos contenidos, unos usos sociales y un modelo de financiación que permitirán su expansión y aplicación masiva. El cine muestra una presencia intensiva de la economía del país. En el caso del cine se han creado desde su expansión grandes grupos multimedia, las majors, que producen los contenidos a un nivel mundial y con alto rendimiento económico.

El sector cinematográfico español, ingresó en 2010 fueron de 662,3 millones de euros, de los cuales 80,2 millones correspondieron al cine español, una cuota de mercado del 12, 1%. Actualmente, los datos para 2014 son negativos,17 millones de espectadores menos, un desplome de la taquilla que la Asociación Española de Cinematografía calcula cerca del 20%, con un 28% menos de rodajes, una importante reducción de las futuras ayudas y la desaparición de decenas de empresas y puestos de trabajo. La progresiva transformación del sector, debida a la fragmentación de audiencias, cambios sociales y los hábitos de consumo han ayudado a esta decadencia que la crisis ha agravado. Se ha encontrado en la digitalización, la implantación de redes y generalización de dispositivos (tablets y móviles) un replanteamiento de asignación de rentabilidades.

La naturaleza de las industrias culturales y creativas se basa en los bienes indivisibles e inagotables, es decir el consumo del cine ni destruye el bien cultural que distribuye, ni anula el disfrute para próximos espectadores. La naturaleza acumulativa del consumo de este tipo de industria, lejos de agotar la demanda del usuario, la estimula y provoca la creación de nuevas producciones cinematográficas similares o en algunos casos independientes. El cine y toda la industria forjada a su alrededor determina los valores culturales de cada tiempo y lugar.

CINE MODERNO

A partir de los años 50 el cine clásico entra en 
decadencia.Con la aparición de la televisión, la producción  se reduce notablemente y se abandona la serie B. Otro de los motivos por lo que se reduce el público es la demográfica, dado que  se pone de moda vivir en urbanizaciones y se comienza a explotar el cine drive-in, reduciendo la población de las ciudades que acude al cine. También, se crean leyes contra el monopolio, para que las empresas dolo se pudiesen especializar en la emisión, producción, realización, distribución o emisión.

A partir de esta fecha se comienza a hacer cine de otro modo, destacando el cine en formato panorámico, por ejemplo la gran producción Ben-Hur, película de 1959 dirigida por William Wyler.

Frente al Star System del cine clásico, donde los directores no tenían demasiada importancia y la película se publicaba a través de los actores, en el cine moderno se valora la importancia del director.

LA MODERNIDAD CINEMÁTOGRÁFICA    

         El agotamiento del clasicismo da lugar a una de las grandes etapas del cine. Los cineastas se preguntan si se puede hacer otro cine (rechazan los modelos clásicos del happy end, las historias y la manera de contarlo…). Surgen nuevos cines en multitud de países pero los más destacados son Francia, Gran Bretaña, Alemania y EEUU. La actitud global se contrapone a la tendencia global.

Las reflexiones teóricas sobre el cine de esta época de autores como André Bazín (“Que es el cine”, 1958-1963) en Francia, o las jornadas organizadas por Basilio Martín Patino (“Conversaciones de Salamanca”, 1955) en España. Donde estos autores denuncian la crisis de creatividad, debido al círculo cerrado en el que está envuelto el cine y la falta de ideas que se estaba dando en Hollywood.

Aparece el cine en otros medios como la televisión, y esta aparece en los relatos cinematográficos.

Se rechaza la tradición narrativa cinematográfica de las formas clásicas, e intentan llevar la novela decimonónica al cine. Se contraponen los ritmos antiguos contra los nuevos ritmos, como el jazz que estaba en auge en esta época. Además la cámara deja de ser invisible (se pretende que el espectador empatice y crea que es su vida), cobrando presencia para que se sepa que es un mensaje.

Se busca la participación del espectador en la explicación, evitando la clausura del final y el happy end.

Ya no hay dogma, con mensajes explícitos, se buscan otros modos de producir cine sin el respaldo de los grandes estudios y el Start System. Se pretende crear más arte y menos espectáculo, consiguiendo que el estado lo considere un arte y por lo tanto debe proteger ese cine concediendo becas y ayudando a su producción. (Sistemas de producción alternativa, Estado Asistencial).

El guión libre frente al guión hermético. Donde el director acede a rodar con  unas pautas pero sin guion. La autoría nace de los directores. Se lleva a cabo una concepción ética, donde se instaura el cine de autor.       

  La nueva corriente, “Nouvelle Vague” es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Término acuñado por François Truffaut. Nos situamos en un momento de efervescencia y agitación donde nace el concepto de cinefilia, los autores no son solo cineastas sin más, son auténticos entusiastas del cine, “amarás al cine sobre todas las cosas” es su frase, y su santuario se encuentra en la cinemateca francesa.Nacen dos nuevas corrientes:

- Cahiers du cinéma (Cuadernos de cine), es una revista de cine francesa donde los críticos se muestran, con artículos totalmente radicales,  crueles con el cine clásico, aun así idolatran a Howard Hawks y Alfred Hitchcock.

-En contraposición a los ideales de la anterior está la revista Positif, fundada en 1952 por Bernard Chardère.

La “Teoría del cine de autor” (recogida en el libro de André Bazin), dice que la decisión final recae en el director, y que este no es un mero realizador, es decir es el autor de la obra de arte.

La Ley Pinay-Malraux (1958), da lugar al estado existencia creando esta ley de protección del cine francés, donde es muy importante su cine e imponen leyes para que no entre el cine americano.

Existe una conciencia metalingüística. Midnight in Paris (Woody Allen) en contraposición a Los 400 golpes (François Truffaut), donde el director quiere que el espectador vea que la cámara bota y barrios bajos aparece. Los autores reivindican la serie B. 

CINE CLÁSICO (V) (1910-1960): CINE DE TERROR

El cine de terror nos remite  a emociones, tensión y sensaciones de pánico. Provoca en el espectador una mezcla entre placer y perturbación.

Se caracteriza por:

-Escenarios retorcidos, luz contrastada, códigos sonoros muy reconocidos (música y silencios), influenciado por el expresionismo alemán y con gran trabajo de maquillaje.

-De raíz mítica, se juega con los miedos y temores que han acompañado al ser humano desde su origen (leyendas ancestrales en el pueblos, supersticiones, científicos, bueno-malo…)

-Gran importancia del miedo a lo desconocido (vampiros, fantasmas, hombre lobo, muerte psicopatía…)

-Superstición vs. Ciencia.

-Tensión entre lo bello y lo monstruoso, lo conocido y lo desconocido, lo consciente y lo inconsciente (esta tensión es la que provoca placer en el espectador)

-Juega con la transgresión (saltar leyes) y lo oculto (mal latente, siempre presente que aunque no se muestre puede saltar en cualquier momento)

-Base literaria, expresionismo alemán.

Fragmento: Frankestein (James Whale, 1931):

5 PELÍCULAS RECOMENDADAS:

La mujer pantera (Jacques Tourneur, 1942)

La parada de los monstruos (Tod Browning, 1932)

El hombre invisible (James Whale, 1933)

La momia (Karl Freund, 1932)

Los crímenes del museo de cera (André De Toth, 1953)

CINE CLÁSICO (IV) (1920-1960): EL MUSICAL

El musical junto al western, es un género cinematográfico por excelencia, caracterizado por sus interrupciones durante el  desarrollo, para dar paso a un fragmento musical cantado o acompañados de una coreografía.

La industria del cine saludó el éxito entre el público del género, concediendo en 1929 a La melodía de Broadway de Harry Beaumont, el Óscar a la Mejor película, en lo que fue el anticipo de la gran cosecha de musicales de la década de 1930, cuando el género se convirtió, junto al cine negro, en el favorito del público.

Busby Berkeley revolucionó el género al poco de nacer y de puede decir que es el padre del musical, dotándolo de un lenguaje cinematográfico que le alejaba del teatro; ahí están como ejemplo The Go Setter o La calle 42. Mientras tanto, RKO Pictures elevaba al estrellato a la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers, en una serie de películas (Sombrero de copa, El desfile del amor), que les hicieron un sitio en la historia del cine.

En la década de los 40  destacan  Gene Kelly y Stanley Donen, que elevaron el cine musical al estrellato. Y durante los 50, Elvis Presley, Frank Sinatra, Gene Kelly (Cantando bajo la lluvia) o Vincente Minnelli. Más tarde, durante los 60, destacan West Side Story ,Camelot, Willy Wonka y la fábrica de chocolate o The Sound of Music.

 Fuentes consultadas: http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_musical

Principales características:

-Género cinematográfico por excelencia junto al western.

-Música y danza como elementos articulados del texto fílmico, dado que estructuran toda la trama de la película.

-Decorados y escenarios coloristas, oníricos y muy iluminados (hasta los años 40 se llamaba comedia musical, de ahí los coloridos)

-Ritmo interior muy ágil, donde la cámara es libre y participativa (la cámara es un personaje más dentro de la historia)

-Representación del cine dentro de la obra, la mayoría hablan del propio cine, backstage.

-Se amplía a un concepto de verosimilitud

-Altos costes de producción

Fragmento “Sombrero de copa” (Mark Sandrich, 1935) con Fred Astaire  y Ginger Rogers de la productora RKO:

5 PELÍCULAS RECOMENDADAS:

Melodía de Brodway (Vincente Minnelli, 1955)

Sombrero de copa (Mark Sandrich, 1935)

Siete novias para siete hermanos (Stanley Donen, 1954)

Los caballeros las prefieren rubias (Howard Hawks, 1953)

Mago de Oz (Víctor Fleming, 1939)

Cantando bajo la lluvia (Gene Kelly, 1952)

CINE CLÁSICO (III) (1920-1960): LA COMEDIA

-Se trata a la vez de un género y un macro género dado que todo se puede reducir a drama o a comedia.

-Se define por los efectos que persigue, es decir hacer reír.

-Predomina el sadomasoquismo, dado que nos reímos de las miserias de los protagonistas.

-Cine subversivo, funciona perfectamente en los países donde hay una dictadura establecida.

-Se desarrolla mediante confusiones, malos entendidos, paradojas... Cuantas más tragedias le ocurran al protagonista, mejor funciona la comedia.

-Preston Sturges, director con gran éxito de crítica y público, dado que combinaba inteligencia y agudeza con gags visuales de aparente simplicidad. Desarrolla sus "Reglas de oro para una comedia de éxito":

Una chica bonita es mejor que una fea

Una pierna, mejor que un brazo

Un dormitorio, mejor que una sala de estar

Una llegada, mejor que una partida

Un nacimiento, mejor que una muerte

Una persecución, mejor que una charla

Un perro mejor que un paisaje

Un gatito, mejor que un perro

Un bebé, mejor que un gatito

Un beso mejor que un bebé

Y una buena caída, mejor que ninguna otra cosa

-Diferenciamos la comedia en el cine mudo y la comedia en el cine sonoro:

En el cine mudo este género contaba con una gran tradición, donde se trataba de un cine de carácter burlesco, humor físico, con un Start System muy marcado (Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd…)

En el cine sonoro, donde se trataba de puro humor verbal. Destacando la “surreal comedy”, un tipo de comedia más sofisticada, romántica considerada más propia de un público de clase alta. Cuyo director más destacado Ernst Lubitsch y más tarde su aprendiz Billy Wilder.

Fragmento “La octava mujer de barba azul” (Ernst Lubitsch, 1938):

https://www.google.es/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=video&cd=1&cad=rja&uact=8&ved=0CCkQtwIwAA&url=http%3A%2F%2Fwww.dailymotion.com%2Fvideo%2Fxlqu45_la-octava-mujer-de-barba-azul_shortfilms&ei=rCeHVIOKK4yrUbu6gNgH&usg=AFQjCNHmzFVHXnV_ZbA25KOeaHDYwZGb0Q&sig2=m6tUpTSm8Jt61o5_5WKNUQ&bvm=bv.81449611,d.d24

5 Comedias recomendadas:

-Ser o no ser (Ernst Lubitsch, 1942)

-El apartamento (Billy Wilder, 1960)

-Las tres noches de Eva (Preston Sturges, 1941)

-Historias de Filadelfia (George Cukor, 1940)

-La fiera de mi niña (Howard Hawks, 1938)